Индийский субконтинент создал множество художников с мировым именем, многие из которых собирают миллионы на аукционах по всему миру. Некоторые из самых успешных и новаторских художников из Индии - женщины, и их разнообразные практики исследуют широкий спектр тем, от идентичности и памяти до политики, истории и современной культуры. Мы представляем вам десятку самых известных современных женщин-художников Индии.
Шилпа Гупта
Рассматривая широкий спектр тем от культуры потребления до желания, безопасности, религии, национализма и прав человека, междисциплинарная практика Шилпа Гупты использует интерактивное видео, фотографию, инсталляцию и перформанс-искусство, часто опираясь на участие аудитории. Функционируя как интерактивная видеоигра, ее серия видеопроекций под названием Shadow (1, 2 и 3) включает моделируемые тени зрителей, снятые живой камерой. Тени проецируются на белый экран и взаимодействуют с другими тенями, созданными объектами, куклами, домами, птицами и другими фигурами, танцующими, прыгающими и идущими. Гупта - один из молодого поколения индийских художников, чьи работы отвечают на постколониальный раскол общества. Она часто стирает, перерисовывает и стирает геополитические границы, например, в «100 рукописных картах Индии» (2007–2008 гг.), Состоящих из нарисованных от руки карт зрителей по памяти или в ее безымянной работе, изображающей желтую полицию. флажок с надписью: «Здесь нет границы».
Бхарти Хер
Готовый бинди на палочке - традиционное индийское украшение для лба - занимает центральное место в практике Бхарти Кхер и предлагает амбивалентные значения, колеблющиеся между традицией и современностью. Кхер процветает, создавая искусство, изображающее неверное истолкование, неправильные представления, конфликты, множественность и противоречие, исследуя человеческую драму и современную жизнь. Бинди появляется в ее картинах, а также в ее скульптурных инсталляциях, бросая вызов роли женщин в традиционной стране и ссылаясь на ее традиционное духовное значение «третьего глаза». На ее рекордном альбоме «Кожа говорит не на своем языке» (2006) изображен мертвый или умирающий стекловолоконный слон, покрытый блестящими бинди. Ее работа также связана с аллегорическими рассказами, фантастическими существами, волшебными зверями и мистическими монстрами, которые можно увидеть в других частях животного происхождения, таких как мисдиминоры. «Отсутствие назначаемой причины» (2007) - точная копия сердца голубого кита в натуральную величину, основанная на воображении художника, подчеркивающая романтическую идею «большого сердца» и загадки, которые связывают сердце с концепциями любви, жизнь и смерть.
Бхарти Хер - Отсутствие назначаемой причины © Дженнифер Бойер / Filckr
Зарина Хашми
С помощью бумаги в качестве основного носителя и минимального словарного запаса, богатого ассоциациями, Зарина Хашми создает абстрактные работы, которые соответствуют ее жизненному опыту изгнания и отчуждения и концепции дома - будь то личное, географическое, национальное, духовное или семейное. Ее созерцательное, поэтическое произведение включает в себя гравюры на дереве, офорты, рисунки и слепки, сделанные из бумажной массы. Ее ручные и каллиграфические линии составляют объединяющий элемент в ее композициях. Язык имеет решающее значение для художника. Письма из дома (2004) демонстрирует серию отпечатков на основе писем от ее сестры Рани, которая живет в Пакистане. В видео-интервью Тейт Зарина рассказывает, как получение этих писем помогло ей сохранить чувство идентичности. Рукописный урду обложен картами и чертежами отдаленных домов и мест, несущих тени важных моментов и впечатлений от мест, имеющих отношение к жизни ее семьи.
Налини Малани
Концепция трансцендентной границы лежит в основе практики Налини Малани, которая опирается на литературу, мифологию, историю и личную жизнь для создания искусства, актуального для разных культур. От рисунков до картин, спроектированной анимации, теней, видео и фильмов, художник сочетает традиции с модернистскими элементами для решения насущных проблем современного общества. На ее семью повлияло Разделение 1947 года - тема, которая очень дорога Малани, как видно из «Вспоминая Тоба Тек Сингха» (1998), видео, вдохновленное рассказом Садата Хасана Манто с тем же названием. Малани использует символику смерти Бишена Сингха - душевнобольного, который, отказываясь переезжать в Индию во время Разделения, умирает в ничейной стране между двумя границами. Таким образом, Малани исследует влияние Разделения на жизнь людей, и она расширяет это исследование до эффекта ядерных испытаний в Покране, Раджастхан. Интерес Малани к Кассандре заключается в ее вере в то, что у каждого из нас есть понимание и инстинкты. Ее выставка 2014 года под названием «Дар Кассандры» в художественной галерее Vadehra была посвящена возможности того, что человечество предвидит события будущего и действительно «слушает» то, что происходит вокруг них.
Рина Банерджи
Любовь к субстанции, ткани и фактуре в сочетании с опытом жизни в сообществах смешанных культурных / расовых мест обеспечивают основу для поэтических мультимедийных работ Рины Банерджи. Она определяет свое творчество как исследование «определенных колониальных моментов, которые заново изобретают место и идентичность как сложные диаспорные переживания, переплетенные и иногда сюрреалистические». Banerjee создает красочные коллекции текстиля, модных предметов, колониальных предметов, предметов интерьера, таксидермии и органических материалов, которые поступают из нью-йоркских магазинов мусора и превращаются в объекты, наполненные новым смыслом. Необычные материалы включают в себя таксидермированных аллигаторов, деревянные кроватки, рыбные кости, страусиные яйца, перья и антикварную мебель. В то время как гибрид ее работ является отражением ее космополитического фона, визуальный язык, который она создает, уходит корнями в мифологию и сказки. Возьми меня, возьми меня.,, «Дворец любви» (2003) представляет собой инсталляцию, которая была показана в Музее Гиме в Париже в 2011 году. Излагая дискурс о ее происхождении и западно-восточном взгляде на Восток, он представлял собой розовый пластиковый павильон, выполненный в форме Тадж-Махал напоминает о Индии через розовые очки, характерные для колониального британского присутствия в Индии, с центральным скоплением «экзотических» материалов.
Даянита Сингх
Создавая любопытные рассказы о повседневной жизни с помощью фотографической среды, Даянита Сингх дает визуальное выражение пейзажу, который противопоставляет воображение художника реальному миру. Ее черно-белые фотографии представлены в инсталляции под названием «Музей», а также в ее любимом издании: книге. Бумага имеет особое значение для Сингха. Художник изображает всех, от высшего сословия до окраин общества, давая широкий взгляд на современную Индию. Мона Ахмед - постоянная фигура в ее работе; с момента их первой встречи в 1989 году по поручению лондонской «Таймс» - евнухи, живущей на кладбище в Старом Дели, двойного изгоя, которого отвергли ее семья и община евнухов. Изображение Сингхом Моны - это исследование людей с раздробленными идентичностями и отсутствием чувства принадлежности, что является предметом книги «Сама Мона Ахмед». Дом любви Сингха стирает грань между фотокнигой и литературной литературой, с изображениями, сопровождаемыми поэзией и прозой, которые рассказывают девять коротких рассказов. Портативные «музеи», такие как File Museum (2013) или Museum of Chance (2014), представляют собой большие деревянные конструкции, которые можно расположить в различных конфигурациях, в которых хранится от 70 до 140 фотографий. Эта «фотоархитектура», как называет ее Сингх, позволяет ей бесконечно отображать, редактировать и архивировать изображения.
Рина Сайни Каллат
Reena Saini Kallat часто объединяет более одного носителя в одно произведение. Творчество Каллата связано с бесконечными циклами природы и хрупкостью человеческого состояния, отражая постоянные сдвиги между рождением, смертью и возрождением; разрушение и возрождение. Она часто работает с официально зарегистрированными или зарегистрированными именами людей, предметов или памятников, которые были потеряны или исчезли без следа. Периодическим мотивом в ее практике является резиновая печать, символ контроля и бюрократического аппарата - «безликое государство», которое затемняет и подтверждает идентичность. Каллат использует резиновые штампы с 2003 года, вкладывая свои работы с иронией. В «Падающих баснях» она использовала марки с адресами пропавших памятников, охраняемых археологическим исследованием Индии, создавая формы архитектурных руин, обращая внимание на состояние коллапса и разрушения от коллективной памяти, происходящей в Индии и во всем мире сегодня. В 2013 году она создала Untitled (Паутина / Перекрестки), паутину на фасаде Музея Бхау Даджи Лада в Мумбаи. Её творение включало в себя одну тонну резиновых штампов с прежними названиями улиц, окружающих музей, и подчеркивая потерянные истории. Каллат ранее использовал веб-мотив для решения вопросов миграции и тех, кто ее контролирует. В «Без названия (Карта / Чертеж)» на сложной карте мира, выполненной с помощью электрических проводов и фитингов, прослеживаются часто скрытые миграционные пути рабочих.
[K] Рина Сайни Каллат - Без названия (2008) - Деталь © cea + / Flickr
Хема Упадхяй
Посредством фотографии и скульптурной инсталляции Хема Упадхьяй взаимодействует с понятиями личной идентичности, принадлежности, дислокации, ностальгии и пола, отражая современное состояние Мумбаи - мегаполиса с мультикультурализмом, возникающим в результате миграционных движений. Периодически автобиографическая работа включает в себя ее изображения, как будто она ищет свое место в городе, куда она была вынуждена мигрировать со своей семьей во время Разделения. На своей первой персональной выставке Sweet Sweat Memories (2001) она представила работы, в которых говорилось о чувствах отчуждения и потери. В серию вошли миниатюрные фотографии ее самой, наклеенные на картины, на которых изображены воздушные и подземные перспективы Мумбаи как ошеломляющего нового города.
Шила Говда
Включая скульптуру, инсталляционное искусство и фотографии, демонстрирующие городскую и сельскую Индию, Шила Гоуда создает работы, используя повседневные материалы, включая найденные и переработанные предметы и материалы, такие как коровий навоз, красный кумкум (куркума), ладан, человеческие волосы, сусальное золото, церемониальные красители и бытовые материалы, такие как кокосовое волокно, иглы, нити и шнур. Практика Говды в значительной степени опирается на его процесс, который стирает границы между искусством и ремеслом и ставит под сомнение роль женской субъективности в контексте религии, национализма и насилия, которые составляют современную Индию. «И расскажи ему о моей боли» (2001) применил более 100 метров спиральной нити, окрашенной красным кумкумом, подвешенной и драпированной по всему пространству для формирования трехмерного рисунка. Работа ссылалась на индийскую культуру специй и текстильную промышленность - традиционно часть жизненного опыта женщины - чтобы подчеркнуть боль женской домашней жизни в патриархальном обществе.
